François le Bayrou, ou la fatigue du “ni droite ni gauche », et si les Français n’en voulaient plus ?

Sous Estrosi, Nice a indéniablement changé de dimension. Le développement du tramway, la reconfiguration du centre-ville, la Promenade du Paillon, ou encore la mise en valeur du patrimoine ont redessiné l’image d’une ville longtemps perçue comme figée. L’ambition était claire : inscrire Nice dans le circuit des grandes métropoles méditerranéennes, attractives, dynamiques, visibles à l’international. Sur ce point, le contrat est en grande partie rempli. Estrosi aura été un bâtisseur, un homme d’action, obsédé par la transformation concrète.

Mais cette énergie s’est accompagnée d’une gouvernance de plus en plus verticale. À force de cumuler les leviers, mairie, métropole, réseaux d’influence — le maire a fini par incarner un système à lui seul. Une manière de diriger qui a pu séduire par son efficacité, mais qui a aussi généré des tensions, des oppositions et un sentiment d’étouffement démocratique. À Nice, la politique s’est peu à peu personnalisée à l’extrême, jusqu’à devenir un affrontement d’hommes plus qu’un débat d’idées.

À cela s’est ajoutée une ambiguïté politique qui a troublé une partie de l’électorat. Longtemps ancré à droite, Estrosi a progressivement glissé vers une ligne plus centrale, multipliant les rapprochements et les repositionnements. Une stratégie sans doute habile à l’échelle nationale, mais qui, localement, a brouillé son image. Dans une ville historiquement marquée à droite, cette évolution a été vécue comme une forme de dilution, voire de reniement.

C’est précisément là que Ciotti a su frapper. Avec une ligne claire, dure, assumée, centrée sur l’autorité, la sécurité et l’identité, il a capté un électorat en quête de lisibilité. Là où Estrosi apparaissait complexe, parfois insaisissable, Ciotti s’est présenté comme évident. Là où l’un incarnait la continuité et ses compromis, l’autre proposait la rupture et la cohérence.

Mais réduire cette défaite à un simple affrontement idéologique serait une erreur. Il y a aussi, et peut-être surtout, une fatigue du pouvoir. Dix-huit ans, c’est long. Trop long pour ne pas cristalliser les critiques, les rancœurs, les usures. Même les réussites finissent par s’effacer derrière le sentiment qu’un cycle doit se terminer. À Nice, ce moment est arrivé.
Le vrai bilan d’Estrosi est donc double. D’un côté, une ville modernisée, plus belle, plus structurée, plus visible. De l’autre, un climat politique tendu, une gestion contestée, et une figure devenue clivante. Il laisse une empreinte forte, indéniable, mais aussi une impression d’inachèvement, comme si la maîtrise du territoire ne s’était pas accompagnée d’une maîtrise du temps politique.

Au fond, sa défaite raconte quelque chose de plus large. Elle dit que dans les grandes villes, l’action ne suffit plus. Qu’il faut aussi incarner une ligne, une clarté, une respiration démocratique. Estrosi a construit Nice, mais il n’a pas su préparer sa sortie. Et dans la politique moderne, c’est souvent là que tout se joue.

Né en 1938 en Belgique, Hermann n’a jamais été un dessinateur décoratif. Très vite, il impose un style : trait nerveux, visages creusés, regards lourds d’histoires qu’on ne raconte pas. Avec Greg, il entre dans la légende par la grande porte du journal Tintin. Comanche, Bernard Prince : le classicisme, oui, mais déjà fissuré. Déjà sale. Déjà plus vrai que le vernis de l’époque.
Puis il bascule.
Avec Jeremiah, il ouvre un monde en ruine, un futur sans avenir où les hommes errent comme des bêtes blessées. Ce n’est pas de la science-fiction : c’est un miroir. Un monde après la chute, où la violence n’est jamais spectaculaire, toujours banale. Inévitable.
Avec Les Tours de Bois-Maury, il signe sans doute son sommet. Un Moyen Âge sans romantisme, sans chevalerie, sans lumière facile. Juste la boue, la faim, la quête absurde d’un homme qui marche vers un château qui n’existe peut-être pas. Hermann dessine la fatigue du monde.
Ce qui frappe, chez lui, ce n’est pas seulement le talent, immense, c’est la cohérence.
Il n’a jamais triché. Jamais adouci. Jamais cédé à la tentation du joli.
Son trait, c’était une morale.
Grand Prix d’Angoulême en 2016, respecté par tous, copié par beaucoup, égalé par presque personne, Hermann aura traversé les décennies sans se lisser. Il travaillait encore, récemment, avec son fils Yves H., comme si créer n’était pas une carrière mais une nécessité physique.
Hermann, c’était ça : un corps au travail, un regard sans concession, une œuvre sans maquillage.
Aujourd’hui, on perd plus qu’un grand dessinateur.
On perd une exigence.
Et dans un monde d’images trop propres, trop rapides, trop faciles, son absence va se voir.
Comme un silence.

1977, date de sa première élection à seulement 31 ans, Cathala n’a jamais quitté son fauteuil. Près d’un demi-siècle à diriger une ville de plus de 90 000 habitants, à traverser les alternances nationales, les mutations urbaines, les crises sociales et les recompositions politiques, sans jamais être réellement menacé. Une longévité qui force le respect autant qu’elle interroge.

Car derrière cette permanence se cache une méthode : une gestion rigoureuse, une présence constante sur le terrain, et une capacité rare à transformer une ville sur le temps long. Sous son impulsion, Créteil s’est métamorphosée : urbanisme structuré, développement des infrastructures, ancrage universitaire et hospitalier, identité architecturale forte avec ses célèbres “choux”. Cathala appartient à cette génération de maires bâtisseurs, presque artisanaux, qui pensent leur ville comme une œuvre continue plutôt que comme une succession de mandats. Socialiste historique, ancien député et ancien secrétaire d’État sous François Mitterrand, il incarne une gauche de gestion, pragmatique, loin des effets de tribune et des emballements médiatiques. Chez lui, pas de coups d’éclat : du temps, de la constance, et une fidélité à un territoire.

Mais cette longévité exceptionnelle pose aussi une question démocratique frontale : peut-on régner aussi longtemps sans figer le jeu politique local ? Pour ses opposants, Cathala symbolise un système verrouillé ; pour ses soutiens, il est au contraire la preuve qu’une confiance durable peut exister entre un élu et ses administrés.

À 80 ans passés, il choisit pourtant de continuer, porté par l’idée de finir ce qu’il a commencé et d’accompagner les grands projets du Grand Paris. Ce choix révèle une chose essentielle : Cathala ne se voit pas comme un simple élu, mais comme le garant d’un équilibre. Son parcours raconte à la fois la puissance du local en France et les limites d’un système où la longévité devient l’exception. Une figure presque d’un autre temps, mais terriblement actuelle, qui rappelle qu’en politique, la vraie force n’est pas toujours dans le renouvellement, mais parfois dans la durée.

Dès son entrée sur scène, quelque chose se passe. Une présence immédiate, presque insolente. Miki ne cherche pas à séduire, et c’est précisément pour ça qu’elle capte tout. Une nonchalance parfaitement maîtrisée, un détachement habité, comme si elle flottait au-dessus de ses propres morceaux tout en les incarnant à la seconde près.

Autour d’elle, une formation resserrée mais redoutable : un batteur et une guitariste. Trois sur scène, et pourtant une sensation de densité, de matière, de tension. Pas de gras. Juste l’essentiel. Et une énergie brute.

Très vite, la salle bascule.

Les titres s’enchaînent comme des évidences. Des tubes déjà ancrés dans le public, repris, criés, vécus. Et puis ces moments électro, lumineux, presque suspendus, où Miki installe autre chose : une atmosphère, une vibration plus intérieure. Elle joue avec les contrastes, avec les silences, avec la montée.

Le public, lui, ne triche pas. En liesse. Totalement embarqué. Une vraie communion, sans cynisme, sans distance. Rare aujourd’hui.

Et puis il y a ce moment.

La reprise de T’en va pas d’Elsa.

Sur le papier, le genre de séquence casse-gueule. En live, ça devient un sommet. Dédiée à son père, la reprise prend une dimension inattendue. Moins nostalgique que frontale. Plus fragile que démonstrative. La salle se tait, écoute, reçoit. Et comprend.

C’est là que Miki touche juste, elle ne fait pas semblant. Elle propose. Elle ose. Parfois ça dérape légèrement, parfois ça surprend — mais ça vit. Et aujourd’hui, c’est tout ce qu’on demande.

Ce concert confirme ce qu’on pressentait : Miki n’est pas juste une promesse. C’est déjà une artiste. Une vraie. Libre, audacieuse, un peu barrée, mais surtout profondément connectée à son époque.

Et terriblement attachante.

Sacrée réussite.

Chuck Norris, ce n’était pas qu’un acteur. C’était un mythe vivant. Une silhouette droite, un regard d’acier, une barbe devenue symbole. Avant même Hollywood, il y avait le combattant : champion de karaté, homme de discipline, machine de guerre. Puis le cinéma s’en est emparé. Et là, tout a basculé.

Dans les années 70 et 80, il devient l’un des visages incontournables du film d’action. Pas de super-pouvoirs numériques, pas d’effets spéciaux démesurés, juste lui. Son corps, sa présence, sa crédibilité. Face à lui, même Bruce Lee reconnaissait la valeur du combat.

Mais Chuck Norris a franchi un cap que peu atteignent : il est devenu une icône pop. Avec Walker, Texas Ranger, il s’impose dans les foyers du monde entier. Et puis Internet s’en mêle. Les fameuses “Chuck Norris facts” naissent. Des phrases absurdes, virales, géniales :
“Chuck Norris ne dort pas. Il attend.”
“Quand Chuck Norris fait des pompes, il ne se pousse pas. Il pousse la Terre.”
Et là, il devient immortel autrement.

Ce qui est fascinant, c’est que derrière la caricature, il y avait une vraie cohérence. Une droiture presque ancienne. Une morale simple. Chuck Norris n’a jamais joué les cyniques. Il incarnait une forme de justice directe, sans ambiguïté. Dans un monde devenu flou, il représentait quelque chose de net.
Sa mort marque plus qu’une disparition. C’est la fin d’un type d’homme. D’une époque où la virilité n’était pas ironique, où les héros ne doutaient pas en permanence, où la force avait encore un visage.

Aujourd’hui, Hollywood fabrique des héros complexes, fragiles, ambigus. Chuck Norris, lui, était une ligne droite.
Et c’est peut-être pour ça qu’on l’aimait autant.
Parce qu’au fond, on savait qu’il n’existait déjà plus vraiment.
Et que lui seul pouvait encore nous faire croire le contraire.

Parce que Mergault, ce n’était pas du silence. C’était un bruit. Un grain. Une aspérité. Une voix impossible à lisser, ce zozotement devenu signature, presque un pied de nez permanent à tous ceux qui rêvent d’un monde bien rangé. Elle n’était pas là pour rassurer. Elle était là pour déranger, doucement, mais sûrement.

Il y a des actrices qu’on admire. Elle, on la reconnaissait. Immédiatement. Sans générique, sans lumière, sans maquillage. Une présence qui déborde. Une liberté qui ne s’excuse pas.

Chez Coluche déjà, elle imposait quelque chose de rare : une femme drôle qui ne demandait pas l’autorisation de l’être. Et ça, dans le paysage français, c’est presque un acte politique. Elle n’était ni la faire-valoir, ni la caricature, ni la caution. Elle était le centre, même quand on ne voulait pas le voir.

Puis il y a eu le cinéma, et surtout ce coup de tonnerre inattendu, Je vous trouve très beau. Un succès populaire immense, mais jamais vulgaire. Mergault y prouvait ce qu’on pressentait déjà : elle savait parler à tout le monde sans se renier. Sans jamais simplifier son regard. Elle touchait juste, parce qu’elle n’essayait pas d’être aimée, elle l’était.

Drôle, oui. Mais jamais seulement drôle. Chez elle, le rire avait toujours un arrière-goût. Une lucidité, parfois cruelle, souvent tendre. Elle voyait clair dans les gens. Dans leurs ratés, leurs maladresses, leurs solitudes. Et au lieu de juger, elle les embrassait.
Et puis il y avait cette sensualité étrange, indomptable. Une féminité libre, sans mode d’emploi. Pas fabriquée, pas calibrée. Elle ne jouait pas à être désirable — elle l’était, malgré elle, contre les codes, presque contre l’époque.

Isabelle Mergault n’a jamais été “dans le système”. Elle était à côté. Et c’est précisément pour ça qu’elle comptait autant.

Aujourd’hui, ce qui disparaît avec elle, ce n’est pas seulement une actrice. C’est une façon d’être au monde. Une manière de ne jamais rentrer dans le rang.
Et ça, ça ne se remplace pas.

Isabelle Mergault naît le 11 mai 1958 à Paris. Comédienne, humoriste, auteure et réalisatrice, elle s’impose dès les années 1980 par sa personnalité atypique et sa voix singulière, reconnaissable entre toutes.
Révélée au grand public aux côtés de Coluche, elle développe rapidement une carrière entre théâtre, télévision et cinéma, cultivant une image de femme libre, drôle et inclassable.

Dans les années 2000, elle passe à la réalisation avec un succès fulgurant : Je vous trouve très beau (2006), qui attire plus de 3 millions de spectateurs et confirme son talent de conteuse populaire. Elle enchaîne avec plusieurs films où elle mêle humour, tendresse et regard acéré sur les relations humaines.
Isabelle Mergault restera comme une figure à part du cinéma français, une actrice instinctive, une autrice directe, une voix impossible à normaliser. Et bien sûr sociétaire inoubliable aux Grosses têtes de Laurent Ruquier sur RTL.

Filmographie essentielle

Actrice :
Inspecteur la Bavure (1980)
La Smala (1984)
Le Bal des casse-pieds (1992)
Meilleur Espoir féminin (2000)

Réalisatrice / scénariste  :
Je vous trouve très beau (2006)
Enfin veuve (2007)
Donnant, donnant (2010)
Des gens qui s’embrassent (2013)